Exposição da coleção do Centro de Arte Moderna (CAM), apresentada na Galeria do Piso 01 entre janeiro de 2011 e maio de 2012.

Partindo da análise histórica, formal e temática da icónica pintura Retrato de Fernando Pessoa (1964), de Almada Negreiros (1893-1970), resultado de uma encomenda da Fundação Calouste Gulbenkian, esta mostra propunha um olhar sobre a coleção em torno da figuração e da abstração, revelando combinações, oscilações, cruzamentos e transformações entre diferentes formas de representação e expressão. Para tal, foram reunidas obras em pintura, desenho, fotografia e escultura, de artistas nacionais e estrangeiros, abrangendo a totalidade do arco temporal coberto pela coleção do CAM.

Iniciando-se com a referida obra, o discurso desdobrava-se em quatro eixos temáticos dela decorrentes, aprofundando questões como o objeto (representado ou real), os signos e os símbolos, o espaço (abstrato ou físico) e o retrato na arte moderna e contemporânea. Os quatro núcleos originados não possuíam limites definidos, dando espaço para uma série de associações em cadeia, mais ou menos evidentes, entre obras de natureza e períodos muito distintos.

A história daquele retrato e a relação entre Almada, Pessoa e os restantes elementos do grupo de Orpheu serviu de base para a escolha dos trabalhos que o acompanhariam. Quatro pinturas de Amadeo de Souza-Cardoso, aquele que à data fora reconhecido por Almada e Pessoa como o pintor mais significativo do seu tempo, ocupavam esse lugar de destaque.

Neste conjunto de pinturas, as últimas que o artista produzira, marcadas por oscilações entre figuração, geometrização das formas e abstração, o mundo dos objetos é protagonista. Esses objetos surgem como se tivessem vida própria, representação bem diferente daquela da pintura de Almada, na qual a caneta, o papel, o cigarro, a mesa se encontram subordinados ao sujeito. Por outro lado, nas pinturas de Amadeo, os elementos de identificação como as palavras e os números desprendem-se dos respetivos objetos. A ordem e o rigor das formas de cor plana presentes na pintura de Almada dão lugar à desarmonia e dinamismo nas obras de Amadeo. Por outro lado, o questionamento dos recursos ilusionistas da representação é evidente nestas obras. Fragmentos de realidade entram para a pintura, por exemplo no caso de Título Desconhecido (Coty) (1917) (Inv. 68P11), através da colagem de objetos (pedaços de espelho, ganchos de cabelo e contas de colar). Este aspeto determinava o curso da exposição, que a partir de então se desdobrava em duas vias: a representação de objetos e a sua apropriação.

A eleição da viola por Amadeo, à semelhança dos cubistas, como signo visual, elemento central de pesquisas formais e plásticas, encontrava-se representada por um conjunto de pinturas e aguarelas. A estas foi contraposta a obra, do mesmo período, O meu violão, que não tem cordas, só serve para isto (Retrato do Dr. Pimentel) (1918), de Armando Basto, na qual a viola não surge isolada, mas sim enquanto elemento de uma cena pictoricamente descrita. O diálogo entre estas obras contribuía para uma reflexão sobre as transformações da pintura ao longo do século XX e o seu progressivo afastamento do referente. Por outro lado, o desenho, como registo da realidade, em particular da vida urbana, juntava-se a este núcleo.

A vida mundana dos artistas, escritores e intelectuais, para a qual o retrato de Armando Basto remetia, parece ter servido de pretexto para reunir um conjunto de desenhos dos primeiros modernistas portugueses, que, de um modo mais ou menos caricatural, registam a vida dos cafés e clubes noturnos das primeiras décadas do século XX.

Diferentes formas de apropriação de objetos eram apresentadas no núcleo seguinte, o qual era introduzido por uma pintura de René Bertholo (1935-2005), datada de 1968, acompanhada por uma citação do mesmo período, retirada de uma correspondência entre o artista português e Edward Shaw. Essa obra pictórica, que mostra uma torrente de pequenos objetos, surgia como representação de um momento charneira do percurso de Bertholo: o afastamento da pintura e a concentração no objeto, com a criação de modelos reduzidos.

A esta pintura juntavam-se as experiências de assemblage de Gonçalo Duarte, cujo resultado varia entre o quadro de objetos e as esculturas de parede, e um trabalho de João Vieira, Elo (Assemblage) (1971), no qual o artista brinca com esse processo cumulativo e compositivo. O material desta peça – o plexiglas – e a ligação do artista ao grupo KWY terão muito provavelmente determinado a escolha das obras adjacentes – Sombra Projectada de Christa Maar (1968) e Sombra Projectada de René Bertholo (1965), de Lourdes Castro (1930) –, as quais, por sua vez, serviam de ponte para uma reflexão sobre o retrato no final do século XX.

Com os trabalhos de Jorge Molder (1947), Craigie Horsfield (1949) e Artur Rosa (1926-2020), eram mostradas diferentes abordagens do retrato através da fotografia, que manifestam «o peso da tradição cinematográfica e pictórica» (Texto de parede, 2011). Um exemplo bem diferente surgia com a pintura Hélder (2008), de Julião Sarmento, espécie de retrato mental. A palavra é aqui determinante, substituindo a necessidade de qualquer representação pictórica. O texto «impresso» na pintura dá ao espectador os elementos para a construção do retrato. Alguns desses elementos encontravam-se de certa forma representados no espaço expositivo através de obras de José Pedro Croft (1957), Jorge Molder e Rui Chafes (1966), que podiam traduzir as ideias de «espaço», «vida suspensa», «violência» e «pessoa parada», mencionadas no referido texto.

À obra de Julião Sarmento (1948) foram contrapostas outras pinturas como como Alfabeto I (1981), de João Vieira (1934-2009), e PK-ST-01 (1980), de António Sena (1941), nas quais a palavra e a letra são exploradas plasticamente. No caso de Sena, a escrita cursiva impercetível liberta aqueles sinais de significado, abstratizando-os.

Por fim, o espaço, real ou abstrato, bidimensional ou tridimensional, e o desdobramento através do espelho são questões aprofundadas por diversos artistas, de diferentes formas, tendo sido selecionadas obras de Eduardo Nery (1938-2013), Vieira da Silva (1908-1992), Joaquim Rodrigo (1912-1997), Jorge Pinheiro (1931), Luís Noronha da Costa (1942-2020), Helena Almeida (1934-2018), Fernando Calhau (1948-2002) e Rui Calçada Bastos (1972). Em alguns casos, a quarta dimensão – o tempo – é enunciada, regressando-se ao retrato de Pessoa realizado por Almada. Também neste, o tempo acaba por estar de algum modo presente, através das sombras criadas pela luz que entra através de uma janela que não se vê.

Se a referida obra de Almada foi usada como ponto de partida para a exposição, esta desenrolara-se através de uma espécie de associações em cadeia, emaranhando o fio da história.

Para esta exposição, que inaugurou juntamente com «Casa Comum. Obras da Colecção do CAM» (Galeria do Centro de Arte Moderna, piso 1), não foi produzida qualquer publicação.

Mariana Roquette Teixeira, 2020