Terceira e última parte da exposição semipermanente da coleção do Centro de Arte Moderna, comissariada pela diretora do Museu Gulbenkian, Penelope Curtis, e pela equipa de curadores da Coleção Moderna. 

Centrada nos desenvolvimentos da escultura ao longo do século XX até à atualidade, esta parte da mostra ocupou a grande Nave, juntando-se às secções de pintura e trabalhos sobre papel, em exposição nos pisos 01 e 1. Deste terceiro momento fazia igualmente parte uma seleção de filmes da coleção apresentada nas salas adjacentes ao Hall de entrada.

Prosseguindo o objetivo de dar «a conhecer mais sobre Portugal e a sua história em relação com a Coleção» (Portugal em Flagrante. Operação 1, 2 e 3, 2017) esta parte da mostra reunia uma seleção representativa de obras de artistas nacionais, mas também internacionais, pertencentes à Coleção, às quais se juntavam outras, provenientes de coleções de instituições públicas consideradas essenciais «na construção de uma narrativa mais completa sobre os caminhos da escultura portuguesa no século XX» (Carta de Penelope Curtis para Maria Teresa Sabido, 23 jan. 2017, Arquivos Gulbenkian, ID: 267646).

Seguindo uma linha cronológica, a mostra desdobrou-se em seis núcleos: «Herança Oitocentista, Influência Francesa e Ensaios Modernistas (1900-1928)», «O Estado Novo», «A Década de 1950», «A Ruturas dos Anos de 1960 e 70», «Os Anos de 1980 e 1990», «O Século XXI». Cada núcleo foi acompanhado por um texto explicativo, que, juntamente com algumas reproduções fotográficas, compunha os painéis que compartimentavam o espaço da grande Nave.

Para traçar uma história da escultura em Portugal no século XX, relacionando-a com os desenvolvimentos sociais e políticos que marcaram esse período, seria inevitável abordar a estatuária pública. Para tal, foi feita uma recolha fotográfica de obras-chave, reunidos modelos e esboços, bem como obras de menores dimensões dos escultores que trabalharam em encomendas oficiais, que mostram abordagens plásticas mais livres.

A exposição começava (e assim se manteve até hoje) com dois registos fotográficos, um da estátua de Calouste Gulbenkian (1965) da autoria de Leopoldo de Almeida (1898-1975) e outro do Monumento a José de Azeredo Perdigão (1997), projetado por Pedro Cabrita Reis (1956), obras implantadas nos Jardins Gulbenkian. Desta forma, a partir de duas obras fortemente ligadas à história da instituição, enunciavam-se algumas transformações que marcaram a produção escultórica contemporânea, notando-se uma tendência para a abstração e a espacialidade, e ficando para trás a representação idealizada e naturalista.

Os dois primeiros núcleos partilharam a mesma área de exposição. Um espaço marcado por um conjunto de plintos, de cor cinzenta, onde foram dispostos conjuntos de obras de diferentes escultores. Os critérios que estiveram na base da composição destes grupos foi a categoria escultórica (busto, torso, representações de corpo inteiro, grupo escultórico) e a escala, juntando-se na mesma área obras em materiais distintos.

Encomendas oficiais de esculturas para praças e jardins, produzidas ao longo da primeira metade do século XX, e grupos escultóricos e relevos incorporados em obras públicas foram representados através de registos fotográficos, mas também de modelos, como é o caso de parte da maqueta para o Monumento a Afonso de Albuquerque (1893), de António Augusto da Costa Motta (1862-1930), pertencente à coleção da FBAUL e que se encontra em exposição.

Paralelamente, foi reunida uma série de bustos, como Busto do Dr. Figueira (c. 1915-1920), de Francisco Franco (1885-1955), ou Meditando – Retrato do Jornalista Mário Salgueiro (s.d.), de Júlio Vaz Júnior (1877-1963), ambos em bronze, que são colocados em confronto com outros de datas posteriores como Retrato de M. Z. (1934), de Hein Semke (1899-1995), e Cabeça/Busto (1945), de Jorge Barradas (1894-1971), que denotam a exploração de outras linguagens e são exemplo do predomínio da produção de bustos para o mercado privado. Neste núcleo, foi ainda apresentado um conjunto de esculturas, de pequena e média dimensão, com temas de natureza simbólica, da autoria de Diogo de Macedo (1889-1959), Francisco Franco (1885-1955) e Canto da Maya (1890-1981), que revelam afinidades com as propostas estéticas de Auguste Rodin (1840-1917), Antoine Bourdelle (1861-1929) e Aristide Maillol (1861-1944).

Os núcleos dedicados às décadas de 1950, 1960 e 1970 partilhavam o mesmo espaço. Das correntes artísticas de reação à política do espírito dirigida por António Ferro, à arte apresentada nos Salões do SPN/SNI, destacou-se, no campo escultórico, uma diversidade de propostas surrealistas e alguns casos de natureza abstrata.

As largas temporadas que muitos destes artistas passaram no estrangeiro, particularmente em Paris, serviram para fazer uma ponte com as vagas de saída que marcaram o final da década de 1950 e 1960, nas quais a Fundação Calouste Gulbenkian teve um papel determinante, através da concessão de bolsas de estudo. Com Londres como um destino de eleição, as novas práticas artísticas britânicas marcaram e inspiraram alguns artistas portugueses, cujos trabalhos foram postos em confronto com algumas obras da coleção de arte britânica da Fundação Calouste Gulbenkian, que começou a ser constituída em 1959. Trabalhos de Victor Pasmore (1908-1998) e de alguns dos chamados «construcionistas britânicos» foram apresentados juntamente com obras de Artur Rosa (1926), António Areal (1934-1978), Ângelo de Sousa (1938-2011), José Escada (1934-1980). O questionamento dos limites da escultura e a diversificação de materiais estendeu-se a outras linguagens, influenciadas pelo Nouveau Réalisme e pela Pop Art, representados por trabalhos de Lourdes Castro (1930), René Bertholo (1935-2005) e Sérgio Pombo (1947).

De forma a traçar, no seguimento dos núcleos anteriores, as transformações da escultura pública, foi incluído no respetivo painel um registo fotográfico, proveniente do Estúdio Mário Novais, da estátua D. Sebastião (1973) criada por João Cutileiro (1937-2021) para a cidade de Lagos, como exemplo de rompimento «com a ortodoxia estética e ideológica da estatuária oficial do Estado Novo» (Texto de painel expositivo, 2017). A esta ação foi contraposta uma outra, registada por Wolf Vostell. Trata-se de Arte = Vida / Grabado en la Piedra (1979), da autoria de Alberto Carneiro (1937-2017), uma obra realizada em Cáceres, nas imediações do Museo Vostell, Malpartida, que cruza o espírito fluxus com a land art. Através dela é feita a ligação para a década seguinte, na qual se assiste a novas experiências conceptuais – como 240.180.180. dissemetria mater (1980), de Túlia Saldanha (1930-1988) –, a par de uma cada vez maior diversidade de materiais – Objecto (1983), de Isabel Laginhas (1942-2018); Os Saltimbancos (da série: O Circo) (1983), de José de Guimarães (1939) –, abordagens e pesquisas – Tiroliro (1988), de Rui Sanches (1954), Cisne IV (última carta: morre comigo), (1993-1994), de Rui Chafes (1966).

A área seguinte foi reservada a diferentes propostas no campo da instalação, reunindo-se obras de José Pedro Croft (1957), Pedro Cabrita Reis (1956), Lúcia Nogueira (1950-1998), Rachel Whiteread (1963) e Fernando Calhau (1948-2002). Apesar de muito distintas, estas são constituídas por volumes ou formas geométricas regulares (cubo, paralelepípedo, esfera, retângulo, semicircunferência), algumas delas com forte caráter minimal.

A exposição terminava com um olhar sobre as tendências que marcaram as primeiras décadas do século XXI, com especial enfoque na produção de uma geração de jovens artistas que «posiciona já claramente as suas práticas e as suas obras em contextos e circuitos expositivos internacionais» (Texto de painel expositivo, 2017). Os trabalhos expostos mostram revisitações de processos artísticos – Estensão (2005), de Teresa Henriques (1978) –, apropriações variadas – Eye Cast (2004), de Noé Sendas (1972); (Not) Reading Landscape #2 (2010), de Fernanda Fragateiro (1962) – e explorações de novos materiais e tecnologias – entre outros, Fibra (2013), da dupla Musa paradisiaca; Hello Goodbye (2007), de Bruno Pacheco (1974); S/Título (série Dupla Sombra) (2003), de Pedro Tudela (1962).

Fazendo parte da exposição semipermanente da Coleção, esta seleção, à semelhança das de «Operação 1» e «Operação 2», vai sofrendo alterações. Ao longo do tempo, algumas peças vão dando lugar a outras, mantendo a mesma estrutura e discurso expositivo. Esta opção tem como objetivo conferir maior dinamismo à mostra e desencadear novas leituras e experiências. As novas entradas têm uma periodicidade regular. Estão incluídas nessas alterações e nos modos de dinamização da exposição, iniciativas como: «Mulheres Artistas», um percurso estabelecido pela sinalização de obras em função da temática; «Artistas em Viagem», com o mesmo procedimento; exposição individual de Maria Antónia Siza (1940-1973) no piso 01; alteração de núcleos específicos nos três espaços expositivos e renovação da grande vitrina do piso 01 com documentos da Biblioteca de Arte e Arquivos Gulbenkian.

No entanto, o facto de não se tratar de uma exposição permanente torna difícil a produção de uma publicação que a acompanhe de forma atualizada. Em alternativa, adicionalmente ao caderno de exposição de «Operação 1», o website da instituição disponibiliza informação sobre a primeira seleção de trabalhos de cada uma das «operações», bem como de todas as obras expostas ao longo do tempo. 

A «Operação 3» de «Portugal em Flagrante» constitui o último momento da montagem da exposição da Coleção Moderna do Museu Calouste Gulbenkian, iniciada em 2016 com a «Operação 1». A partir de 2018 o conjunto das três operações passou a ser apresentado simplesmente como a exposição da Coleção Moderna do Museu Calouste Gulbenkian. Ao longo desse período e até ao encerramento do edifício em 2020 (primeiro por força da pandemia e em continuação dessa circunstância, para obras de renovação e conservação), houve rotação de alguns núcleos e substituição de algumas obras. 

As reações na imprensa foram pouco expressivas, destacando-se o artigo de Celso Martins, no qual o crítico começa por tecer algumas considerações sobre a estrutura da mostra: «A ideia de estruturar esta exibição tripartida em operações que levam sobretudo em conta o medium […] acaba por estabelecer um filtro prévio demasiado apertado que impede uma montagem mais fluida e mais rica de sentidos e associações e essa separação por disciplinas artísticas só é sustentável por algum conservadorismo aquisitivo nas últimas décadas, nomeadamente em termos de artistas portugueses mais jovens.» (Martins, Expresso. Revista, 18 mar. 2017, p. 88) Além destas limitações, Martins constata que a «montagem inclui ainda alguns achados que, em certo sentido, agilizam uma lógica demasiado assente na sucessão temporal, como o diálogo estabelecido por obras de João Cutileiro e Sérgio Pombo; de Júlio Pomar e Maria Beatriz; ou de Fernanda Fragateiro e Noé Sendas.» (Ibid.)

Mariana Roquette Teixeira, 2019