No verão de 2023, o público lisboeta teve a oportunidade de visitar esta exposição dedicada às estampas japonesas multicolores em xilogravura. Produzidas durante o período Edo, também conhecido como «xogunato Tokugawa», datam maioritariamente dos séculos XVIII e XIX. A constelação de estampas que esteve patente na Galeria de Exposições Temporárias do Museu Gulbenkian de 23 de junho a 30 de outubro de 2023 incluiu uma centena de obras de grande qualidade, escolhidas entre as cerca de 250 estampas adquiridas por Calouste Gulbenkian entre 1911 e 1923 para a sua coleção privada de arte.

Com o objetivo de destacar esta parte específica da Coleção Gulbenkian, Jorge Rodrigues, conservador sénior do Museu Gulbenkian, deu o impulso original e executou o projeto em conjunto com duas curadoras externas, a italiana Francesca Neglia (La Sapienza, Università di Roma) e a americana Hannah Sigur (FCSH, Universidade Nova de Lisboa), especialista em arte e cultura japonesas. Tanto a investigação como a exposição beneficiaram da complementaridade das suas competências científicas e profissionais, uma dimensão também revelada pela qualidade dos ensaios que publicaram para o catálogo da exposição.

Encarregada de analisar as dimensões caligráficas e literárias das estampas ukiyo-e (antecedentes literários, influências, significado e interações com as imagens), Hannah Sigur foi convidada por Jorge Rodrigues a integrar o projeto no âmbito de uma bolsa que recebeu da Gulbenkian. Francesca Neglia foi responsável pela investigação e documentação das séries e estampas selecionadas para as três primeiras secções da exposição e, como tal, produziu a maioria dos textos curtos que acompanham as obras. Utilizados tanto na exposição como no catálogo, estes textos oferecem explicações relativas ao contexto de produção das estampas, ao seu repertório iconográfico e temático, bem como ao seu significado histórico.

Concebido e realizado num período de apenas seis meses, o projeto ganhou complexidade e sofisticação graças aos contributos e à investigação das curadoras, mas também às preciosas contribuições de Makino Mitsunobu, paleógrafo e tradutor de japonês antigo do período Edo, que foi chamado por Hannah Sigur para descodificar os numerosos textos e poemas que figuram nas estampas, lado a lado com as imagens.

A expressão japonesa «ukiyo-e», que integra o título da exposição, significa «imagens do mundo flutuante» (ukiyo) e remete para os conceitos de água, movimento e suspensão. Refere-se a um conceito japonês tradicional extremamente complexo, com manifestações em diversos domínios das artes e da cultura, como a poesia, a literatura, o teatro, a pintura e a gravura. Originalmente, ukiyo tinha uma conotação budista – «mundo de sofrimento e transitoriedade» –, mas durante o período Edo (1603-1868) passou a evocar o mundo lúdico, efémero e sofisticado das diversões, espetáculos e prazeres que caracterizavam o estilo de vida e os costumes de um determinado segmento da sociedade japonesa.

Oferecendo uma amálgama de prazeres intelectuais, artísticos, sensoriais e físicos, o «mundo flutuante» situava-se no cruzamento entre a celebração da natureza, do teatro e da literatura, incluindo a poesia, as festividades e a prostituição. Desenvolveu-se nos centros urbanos e subúrbios de Edo, a atual Tóquio, proporcionava aos frequentadores desta sociedade marginalizada – ainda que fascinante – todo um espetro de experiências: da beleza imediata de jardins, árvores, flores e arquitetura, à expressividade extravagante do teatro kabuki e da literatura clássica, passando pela cerimónia contemplativa do chá, até ao entretenimento sexual oferecido por cortesãs belas e extremamente cultas.

A exposição apresentou obras de vários mestres importantes da xilogravura japonesa do estilo ukiyo-e, nomeadamente os célebres Utamaro (1753-1806), Hokusai (1760-1849), Hokkei (1780-1850), Hiroshige (1797-1858) e Eizan (1787-1867). Juntamente com as estampas, foram apresentados cinco livros ilustrados da coleção, com o objetivo de fornecer informações sobre a evolução histórica da gravura no Japão, utilizados principalmente para este tipo de publicações. A exposição também apresentou informações sobre a técnica tradicional de gravação em bloco de madeira, com um pequeno vídeo didático que mostra a colaboração entre artistas, entalhadores, gravadores e editores.

Uma vez que os mestres gravadores concebiam frequentemente as suas imagens quer em séries curtas, de dois ou três exemplares, para retratos e imagens da vida quotidiana, quer em séries maiores, de algumas dezenas, para representar paisagens e temas relacionados com festividades ou maravilhas japonesas (o monte Fuji, as cascatas, as estações de Tokaido ou paisagens de Edo ou de Quioto), os curadores selecionaram estampas da coleção maioritariamente integradas nos seus grupos ou conjuntos originais. Deste modo, os visitantes puderam apreciar algumas das estampas tal como foram originalmente concebidas, em dípticos, trípticos ou polípticos. Além dos conjuntos apresentados nas paredes ou em vitrinas horizontais, muitas obras foram expostas individualmente em molduras embutidas em paredes falsas.

Da autoria de Mariano Piçarra, o espaço expositivo foi dividido em secções, pintadas num negro profundo e num vermelho quente, criando simultaneamente um contraste e uma atmosfera envolvente, elegante e contemplativa. Com uma iluminação ténue, intimista e de ângulos bem definidos, adequada à fragilidade das obras, cada estampa era valorizada pelo cuidado particular posto na sua apresentação. Estas estampas individuais, selecionadas pela elevada qualidade da sua execução e pelo seu estado de conservação, testemunham a prática generalizada no mercado da arte de vender separadamente obras concebidas como partes integrantes de séries.

Como em qualquer coleção de arte histórica, a repetição de temas e as omissões revelam o gosto e a personalidade do colecionador, traço que se verifica também na coleção de estampas reunida por Calouste Gulbenkian, na qual se percebe a predileção por certos temas em detrimento de outros, cuja exclusão ou omissão se torna explícita.

A beleza feminina e a natureza destacam-se como temas de eleição na Coleção Gulbenkian, que reúne vários exemplos das magníficas paisagens criadas pelos grandes mestres. As suas visões diferenciadas da natureza constituíram a secção de abertura da exposição, que incluiu duas estampas emblemáticas de Hokusai, pertencentes à sua icónica e monumental série Trinta e Seis Vistas do Monte Fuji [Fugaku sanjurokkei], produzida entre 1830 e 1833. Composta por 36 perspetivas diferentes do monte Fuji, esta obra pioneira e estilisticamente inovadora consagrou a paisagem como um género importante no domínio da gravura. A série alcançou um êxito sem precedentes, graças ao seu caráter idiossincrático e variado, às cores intensas, ao uso revigorado do azul-da-prússia, às composições ousadas e à originalidade dos pontos de vista do artista sobre a montanha sagrada – cuja aparência muda constantemente.

Os visitantes puderam ainda admirar duas estampas de outra série de Hokusai, intitulada Uma Viagem por Cascatas em Várias Províncias [Shokoku takimeguri] (1833), bem como duas estampas da série Vistas Excecionais das Pontes Célebres de Todas as Províncias [Shokoku meikyō kiran] (1834). Merece também destaque a estampa dinâmica e poética de Hiroshige Cerejeiras em Flor em Arashiyama, da série Vistas Célebres de Quioto [Kyoto meisho no uchi] (1834).

Além destas paisagens, a exposição reuniu diversas estampas que retratam festividades anuais, imagens urbanas e cenas do quotidiano no universo hedonista e culto do mundo flutuante e das suas áreas de diversão e bordéis. Estes temas compõem a parte mais numerosa e marcante da Coleção Gulbenkian, abrangendo uma grande variedade de tópicos literários, míticos e profanos.

A segunda, terceira e quarta secções da exposição apresentaram conjuntos selecionados de estampas relacionados com estes temas, intitulando-se, respetivamente, «Uki-e: Imagens em perspetiva», «O mundo flutuante de Yoshiwara», referente a uma zona de bordéis autorizada em Edo, e «A rede literária do ukiyo-e, documentada por Hannah Sigur. Estas três áreas evidenciam os diferentes géneros e tendências das imagens ukiyo, à luz da evolução da sociedade japonesa da época.

A segunda secção da exposição apresentou imagens uki-e, estruturadas segundo a tradição artística ocidental da perspetiva geométrica e linear. A presença holandesa no Japão ao longo dos três séculos do período Edo poderá justificar estas composições à la mode occidentale. Apesar desta influência ocidental – resultante da circulação de objetos decorativos, livros, gravuras e pinturas europeias –, as imagens uki-e mantêm-se centradas em temáticas e espaços relacionados com o mundo flutuante. Nesta secção, foi exposta num único painel a série de doze paisagens de Edo, da autoria de Utagawa Toyoharu (1735-1814), que retrata locais célebres da cidade e as principais atividades e festividades associadas a cada mês do ano.

A terceira e a quarta secções da exposição centraram-se em representações de mulheres. Incluíam exemplos de retratos de corpo inteiro e de meio-corpo de cortesãs de alto nível e de artistas femininas, bem como das suas ocupações estéticas e refinadas – vestir, comer, ler, escrever, dançar, tocar música ou desfilar durante as festividades e celebrações, envergando trajes e penteados ricamente ornamentados. Destacam-se as sumptuosas estampas de Katsukawa Shunsen (1762-c. 1830), retiradas da sua série Oito Vistas de Edo (c. 1810-1820) [Edo hakkei no uchi], e de Katsukawa Shunsho (1726-1793), da série Mulheres Belas de Yoshiwara Desfilando no Festival do Crisântemo (c. 1810). Esta secção incluía ainda estampas requintadas de Kikugawa Eizan (1787-1867), como Duas Mulheres Sentadas, da série Cinco Conjuntos de Mulheres tão Belas quanto as Flores de Íris [Hana-ayame gonin-zoroi] (c. 1811), e o seu políptico em cinco estampas, Procissão na Ponte Azuma de Edo [Toto Azuma-bashi gyoretsu] (séculos XVIII-XIX).

O género okubi-e consiste em retratos de meio-corpo de mulheres atraentes e enérgicas. A exposição incluiu cinco retratos da autoria de Kitagawa Utamaro (1753-1806), todos marcados por uma forte componente psicológica e uma sensualidade palpável. Estas representações de mulheres de bordéis são acompanhadas de pequenos textos próximos das suas cabeças, que visam enaltecer os temperamentos e as qualidades de cada uma – funcionando, assim, como manuais ou catálogos de escolha.

Na quarta secção, dedicada às ligações entre as estampas ukiyo-e e a literatura, os visitantes descobriram também a importância dos surimono, edições luxuosas e exclusivas de estampas do «mundo flutuante» realizadas em madeira e destinadas às elites. Altamente sofisticadas e feitas com materiais preciosos, como pigmentos de ouro e prata, eram geralmente produzidas para celebrar os melhores poemas e criações literárias de cada ano. Estiveram patentes várias estampas surimono de um dos primeiros e mais célebres discípulos de Hokusai, Totoya Hokkei (1780-1850), juntamente com outras estampas especiais suas, representando, nomeadamente, rituais xintoístas tradicionais conduzidos por sacerdotes – Ritual de Colheita de Algas [Mekari no shinji] (1830) no Santuário Hayatomo.

Atendendo a que a exposição se dedicava ao género ukiyo-e, é significativo que estejam ausentes da Coleção Gulbenkian alguns dos seus temas mais emblemáticos. As razões para a ausência de estampas eróticas ou a sub-representação de imagens relacionadas com o teatro kabuki (menos de cinco exemplares num total de quase 250 estampas) permanecem difíceis de identificar – questão que levou a curadora Hannah Sigur a interrogar-se sobre estas omissões, apesar da centralidade destes temas no imaginário e na imagética do mundo flutuante. Durante os séculos XVIII e XIX, as estampas ukiyo-e, produzidas em grande escala, apresentavam frequentemente personagens e trajes kabuki extravagantes e codificados, bem como retratos de atores célebres, reconhecidos pela sua mestria e profundo conhecimento do repertório clássico. Em simultâneo, os mestres gravadores respondiam também à procura de imagens sugestivas e eróticas. Dotadas com frequência de um toque de humor, as shunga, também conhecidas como «imagens de fontes termais», constituíam uma componente essencial do universo ukiyo. O género floresceu antes da sua proibição no final do século XIX e ao longo do século XX.

Curiosamente, vários exemplos deste género específico foram apresentados na exposição organizada no Grand Palais, em Paris, em 2004, intitulada «Images du Monde Flottant. Peintures et estampes japonaises XVIIe-XVIIIe siècles». Dez anos mais tarde, o British Museum, em Londres, dedicou uma exposição inteira ao shunga, com 170 pinturas e gravuras, reafirmando a importância desta vertente na produção ukiyo-e e na história da arte japonesa. As estampas shunga apresentadas nestas exposições provinham de coleções públicas e privadas de Paris, Londres, Tóquio e Nova Iorque.

Para além das estampas, a exposição de Lisboa apresentou um conjunto de oito preciosas caixas lacadas e inrō, selecionadas da Coleção Gulbenkian. As tradicionais caixas inrō, todas datadas do período Edo, serviam para transportar pequenos objetos, como cachimbos, tabaco, instrumentos de escrita, selos de identidade ou medicamentos. Estes acessórios masculinos, que se penduravam no obi à cintura, eram profusamente decorados com técnicas sofisticadas e ostentavam com frequência motivos botânicos ou paisagísticos.

A última secção da exposição deu a conhecer ao público reflexões e informações sobre questões práticas de conservação e restauro relativas ao armazenamento da coleção de gravuras japonesas da Gulbenkian antes da abertura do Museu, em 1969, e à sua transferência. Previamente instalada no Palácio Pombal, em Oeiras, a coleção – juntamente com manuscritos e livros – sofreu danos causados pelas cheias de 1967. A exposição permitiu assim observar o trabalho dos especialistas em conservação, por meio de um pequeno vídeo sobre o meticuloso e delicado processo de restauro levado a cabo ao longo de vinte anos.

Os curadores apresentaram quatro palestras online, em articulação com a exposição «Mundo Flutuante. Estampas Japonesas Ukiyo-e». Nas duas primeiras sessões, as curadoras convidadas, Hannah Sigur e Francesca Neglia, abordaram temas e personagens icónicos das estampas japonesas. Na terceira, Jorge Rodrigues, curador sénior do Museu, refletiu sobre o modo como Calouste Gulbenkian reuniu a sua coleção de gravuras. A última sessão foi dedicada às questões de conservação, com Rui Xavier, coordenador de conservação preventiva do Museu, a apresentar o trabalho pioneiro de restauro desenvolvido após as dramáticas cheias de 1967. As atividades paralelas incluíram ainda dois ateliês de gravura, dois ateliês de desenho e visitas guiadas, orientadas pelos curadores.

A exposição recebeu cerca de 50 mil visitantes, com uma média diária de 359. O interesse, a recetividade e a satisfação do público foram amplamente positivos. O relatório da exposição destaca o seu acolhimento entusiástico por parte da crítica, salientando o tema, a seleção de obras, a qualidade da informação fornecida e a vertente educativa do projeto. O catálogo, publicado em português e em inglês (com uma tiragem de 300 exemplares por idioma), esgotou em ambas as línguas e foi distinguido com o Prémio APOM 2024 na categoria de «Melhor Catálogo».

«Mundo Flutuante. Estampas Japonesas Ukiyo-e» teve uma cobertura muito positiva nos media portugueses. Foram publicados diversos artigos em jornais de referência, como o Expresso (por Ana Soromenho), o Diário de Notícias (dois artigos de Guilherme d’Oliveira Martins) e o Sol (por José Cabrita Saraiva). A televisão nacional (RTP1 e RTP3) fez a cobertura da exposição, com entrevistas aos três curadores. Outras publicações, como o Jornal de Notícias, as revistas Follow Me e Spend In, e o semanário Tal & Qual dedicaram-lhe artigos. O evento foi ainda mencionado em várias rubricas sobre «as melhores exposições para visitar», nas revistas Sábado, Time Out e Agenda Cultural de Lisboa, bem como nos portais digitais Pportodosmuseus, Sapo e Revista Bica.

Katherine Sirois, 2024