Ripple (Ondulação) é um exemplo característico da utilização inovadora dos materiais pelos artistas da Nova Geração. Feita em plástico, material em que Phillip King foi pioneiro, Ripple afirma-se como um volume compacto e uniforme, que define o espaço ocupado. A austeridade da composição, a ausência de referências formais, a falta de conteúdo narrativo, um carácter provocantemente matérico e uma evidente ligação entre o design da obra e a natureza racional da produção industrial, são alguns dos elementos que contribuem para reforçar a aparência objectual da obra.

Apesar do interesse de King em minimizar qualquer referência mais autobiográfica ou subjectiva na obra – uma posição partilhada com outros artistas da St. Martin’s School of Art –, foi o único a deixar a obra em aberto para a possibilidade de ser interpretada com um toque de subjectividade e emoção: uma possibilidade também sugerida no título. Ripple ilustra a tendência dominante da época quanto à morfologia da escultura: aparentemente leve, de formas quase intangíveis com tendência à espiral ascendente, triunfante – talvez um sinal do sentimento geral de optimismo e euforia que prevalecia na sociedade britânica. Em Ripple, a harmonia da forma contrabalança o movimento; a cor unifica o todo ondulante e reflecte a luz onde quer que esta incida. O ritmo interno da escultura sugere uma pintura tridimensional, enquanto o volume ocupa o espaço natural, mantendo-o à escala humana – a escala do observador.

King aplicou os princípios básicos da escultura de Anthony Caro, mas prosseguiu, no entanto, desde muito cedo, a descoberta das possibilidades visuais inerentes ao tratamento da superfície, ao mesmo tempo que trabalhou a cor e, de modo subtil, o seu potencial ilusório.

King foi originalmente influenciado pela luz da sua terra natal, a Tunísia, e pela textura do seu solo, pelas formas clássicas da arquitectura e escultura da Grécia Antiga, assim como pela linguagem gestual, sem ornamento da pintura na tradição do Expressionismo Abstracto americano. Criou, ao longo dos anos 60, uma série de esculturas que têm uma presence silenciosa, embora dinâmica no espaço e que assumem a qualidade de um trocadilho conceptual, reflectindo – através da forma do cone, do círculo, do quadrado – o carácter efémero, popular e massificador da época. Depois de 1964, as composições escultóricas de King adquiriram uma forma relativamente mais elaborada, multidimensional. Começou a usar o aço, assim como a madeira – que tinha utilizado mais frequentemente no início da sua carreira – e as suas obras começaram a expandir-se no espaço e a assumir uma relação mais directa com o ambiente circundante, adquirindo assim uma qualidade pública, quase monumental.

Margarita Kataga
Maio de 2010