1998
Super 8 transferido para formato digital, cor, som, 5’52"

A partir de meados dos anos de 1990, o trabalho de Ana Léon é realizado sobretudo em desenho e em filme de animação em Super 8, preterindo a anterior pintura e /ou escultura. A ideia de metamorfose e de animação passa a presidir a todos os filmes que realiza a partir daí.

Em Jeux, de 1998, uma ou duas bailarinas sem cabeça fazem gestos diante da barra e de um espelho até colocarem a sua própria cabeça, inicialmente ausente, sobre o pescoço.

Marcados pelo sentido lúdico, muitas vezes irónico e cínico, e por uma ostensiva simplicidade de meios, os filmes valorizam a figuração e a progressiva destruição das figuras, a narrativa e a repetição, o anonimato na elisão do rosto e a estranheza dos movimentos intermitentes e da desarticulação. A iluminação, a coreografia e a dinâmica global adquirem valor cénico importante.

2015-16
Vídeo, HDV, cor, som, 53'05"

Este trabalho adota e mistura as linguagens do cinema experimental e do cinema documental. É o resultado de quatro anos de colaboração artística com crianças e adultos que conversaram sobre memórias de infância, conceitos de parentalidade/paternidade e maternidade, desejos e sonhos. Uma das crianças é o filho da artista, Mateus. 

O filme inclui um antigo arquivo de família de filmes em Super 8 e de fotografias, excertos de filmes de ficção vistos pela artista na sua infância e excertos de um vídeo-arquivo feito em 2011 por Mateus, para o seu canal de música do Youtube.

O filme interpreta e constrói a infância como resultado de diversas vozes incorporadas e como reencenação dos tempos, e convida o espectador a participar nesse processo; sugere que a infância é um processo ativo materializado através dos corpos e do uso da linguagem; e reflete acerca da consciência das relações, da memória e do tempo.

2016
Animação-vídeo, som, 13'58"

Esta animação-vídeo explora a caminhada como método ancestral de viagem que catalisa o conhecimento, a crítica e a criatividade; e ainda o conceito de insularidade enquanto desejo, utopia, autonomia ou refúgio.

Em Ilhas Afortunadas, ouve-se uma narradora em voz off – a da artista, que faz uma caminhada na cidade do Porto. Como um livro de bordo, a animação-vídeo assinala pormenores do que observa, dos locais que visita, bem como inúmeras reflexões sobre as ilhas do Porto (tipologia insalubre de casa urbana), as ilhas na Europa, o mito das ilhas afortunadas e do Quinto Império Português (Fernando Pessoa), as ilhas utópicas, as do turismo e as dos refugiados.

Este vídeo contém cenas que podem não ser adequadas a todos os visitantes.

2004
Filme 16 mm, transferido para DVD, cor, som 8'16''

Resultado de uma performance filmada de quatro horas, este filme apresenta planos captados através de steadicam e de câmara suspensa num guindaste. Num espaço escuro, uma figura humana (o próprio artista) debate-se numa luta simulada, de armadura e espada. Este confronto de inspiração romanesca tem como protagonista a célebre figura de Lancelot, um dos cavaleiros do Rei Artur.

A estrutura sonora do filme é um elemento-chave da composição: o som da respiração ofegante do artista e o som de gotas de água sugerem frio, desconforto, cansaço e desespero. A luta contra um opositor imaginário é talvez contra si próprio, segundo o artista.

A alegoria do confronto é representada no limite da sua possibilidade expressiva: com gritos e suor, quedas e recomeços, escuridão e restrição espacial, vontade e perda, forte fisicalidade, mas também intenso movimento interior. O guerreiro combate um inimigo invisível, dentro do seu «Graal», recreado a cinzento-escuro de metal e pedra.

2011
HD vídeo, 16:9, cor, Dolby 5.1, som, 10’

Tendo o Mar do Norte como pano de fundo e uma das mais duras profissões de que há memória, Golden Dawn é um filme feito num barco de pesca: com imagens da água e das luzes na noite escura, com as cores vivas das vestes de plástico, das redes que são lançadas e recolhidas, das caixas de peixe com gelo, amanhado ou não, das boias que marcam trajetos no mar.

Na ausência total de palavras, neste documento sobre a vida dos pescadores holandeses, são os planos fotográficos que preenchem o espaço de uma vaga tensão performativa e narrativa; a música de Felipe Felizardo e o título do filme (nome dum partido neonazi grego, mas também de uma sociedade secreta dedicada ao hermetismo) acentuam essa tensão para lá daquilo que as imagens fazem prever.

2013-16
16 mm transferido para vídeo digital, cor, sem som, 7'39''

Realizado em 2016, este filme é um ensaio sobre o jogo, a experimentação e a criatividade na infância, que mostra construções lúdicas do filho da artista filmadas ao longo de um período de três anos. Foi apresentado na exposição Downtime / Tempo de Respiração (2020), no Espaço Projeto do CAM.

Na prática artística de Manon, a experiência do tempo é profundamente ancorada nas condições da criação, produzindo incessantemente presente e presença e resistindo a uma conceção normativa do tempo regido pelo trabalho. Manon procura dar resposta – ou dar imagem – ao momento em que a criatividade irrompe e se manifesta, num tempo suspenso e liberto, cheio de potencialidades.

O título é dado por um excerto do livro Painting, Writings, Remembrances, de Agnes Martin. Manon convoca adolescentes para um jogo de (des)construção e descoberta interna, propondo exercícios improvisados de movimento, com ligações à dança.

1972-76
Vídeo, cor, sem som, 4'14''

Como figuras de fractais cristalizados, surgem, neste filme, bolas de sabão acolhidas num espaço redondo e iluminadas em grandes planos do seu fazer e desfazer. Cintilam, escorrem, juntam-se em cachos, em espuma azul que se espalha. Sucedem-se imagens de um braço, de luzes, de tentáculos, da sucção das bolhas por um cano e de diversos planos microscópicos. Seguem-se formações em espinha, plasmas, cintilações…

2004
Mini-DV, cor, som, 13'

Left (L)overs, de 2004, apresenta, de forma metafórica e coreográfica, uma tentativa de libertação de memórias: uma personagem masculina, de costas voltadas para nós, tira o pó de cima de um casaco que tem vestido, ao bater com alguma violência num e depois no outro ombro, enquanto o gesto é acompanhado por um som semelhante a um disparo.

A negação do autorretrato assim encenada, porque não vemos o rosto e nada sabemos para além da repetição de um gesto e de um título ambíguo que designa em simultâneo o amor e os despojos é, também, a proposta de outra forma de autorrepresentação: um grande plano que retira da escala e da sóbria imponência da figura o sentido trágico e anónimo da sua angústia.

2010
Vídeo, cor, som, 52’

Este filme esteve integrado na exposição de Narelle Jubellin, no CAM em 2012, por iniciativa da artista.

Inicia-se com um ecrã apagado enquanto o narrador fala. Victor Sousa filma todo o processo de construção de uma casa sagrada pela comunidade, na região montanhosa de Venilale, em Timor-Leste. O filme documenta o dia-a-dia dessa construção, desde as refeições destinadas aos que trabalham no meio das montanhas, às cenas em que eles são vistos a cortar ramos de palmeira, a fazer paredes, tetos e olaria.

O narrador apresenta «Uma Lulik» como o cordão umbilical entre o passado e o presente, a vida quotidiana e a tradição; para os vivos, é um recipiente seguro de memórias e sabedoria do passado, e para os mortos é um lugar intemporal, onde a história é constantemente renovada. O narrador prossegue, explicando que a construção da casa sagrada ocorre normalmente a cada 10 ou 20 anos.

2021
Vídeo HD, cor, som, 16’10’’

Khtobtogone é o retrato íntimo de Zine, um homem de 20 anos em busca de se tornar a melhor versão de si mesmo, antes de pedir a namorada em casamento. Khtobtogone descreve o seu quotidiano, a sua história de amor e as suas amizades, bem como as atribulações emocionais, os tormentos e os demónios interiores que tem de gerir continuamente para recuperar a autoconfiança e a autoestima.

A técnica da animação desta ficção em filme contribui para atribui-lhe a natureza intemporal própria da fantasia ou do sonho.

1993
Vídeo, cor, som, 18’8’’

Hypnotic Suggestion é também o nome de uma série fotográfica e de uma instalação das artistas, destinada a ser apresentada em conjunto.

No filme, as duas artistas são hipnotizadas em inglês, e de seguida em português, uma língua que nenhuma delas entende, num espaço de palco que evoca o ambiente de um teatro ou de um cinema. O hipnotizador pede-lhes gestos a que elas respondem, de acordo com as instruções. Os movimentos das irmãs gémeas são também praticamente sincronizados.

2010
Vídeo, cor, som, 18’ loop

A luxúria das cores e dos tecidos, num local onde impera o kitsch e a convenção (filmado na escola de danças de salão em Lisboa, «Os Alunos de Apolo»,) e apesar do ambiente festivo, serve a função de máscara de todas estas personagens: todas representam papéis sexuais, afetivos e sociais, todas dançam para conhecer alguém, para ser alguém junto de alguém, para participar numa ficção que as faça sonhar.

Os clichés morais e emotivos são ditos por gestos e palavras que um ponto de vista muito focalizado e com preferência pelo pleno aproximado sublinha na sua estereotipia. A mitologia clássica surge em pano de fundo, a dar ainda mais substância encantatória a cada sonho. A espera é a condição mais permanente de cada uma; são sobretudo elas que esperam…

2020
Vídeo HD, cor, som stereo, 1’00’’

Num quarto modesto de hotel, um «casal» muito peculiar, troca acusações motivadas pelo ciúme. Ela é uma estátua clássica de pedra branca, ele um minúsculo hipopótamo de cerâmica azul, que cabe na palma da sua mão.

Ele terá sido visto a conversar com uma estatueta votiva de arte cicládica, ela a conversar e/ou flirtar com uma representação esculpida do deus Hermes.

A técnica sofisticada de animação que Gabriel Abrantes tem utilizado em filmes mais recentes volta a sublinhar, aqui, a irrisão de sentimentos e emoções mais comuns, o humor com que encena conflitos tão banais quanto universais, a apropriação singular que faz de obras clássicas do mundo mais tradicional da arte e dos museus, a projeção anímica que torna seres inanimados personagens de consciência e linguagem.

Antes de sair do quarto, a personagem feminina pega num livro que pousou na cama. Tudo fica «escrito na pedra», apesar de nada ser realmente importante.

2010
Vídeo, cor, som stereo, 18’02”

A artista espera pela inspiração, que tarda em chegar. No ateliê vazio, entra e sai batendo a porta, compulsivamente, sem que nada aconteça. O despudor com que se refere ao seu próprio vazio interior é também um grito de alerta. A expectativa da criação torna-se o assunto da própria criação, numa espécie de exorcismo das forças de bloqueio. As portas que se abrem e fecham sinalizam uma inquietude interior, uma impossibilidade de fixação, uma procura feita de tentativas e desistências.

Mas o momento do ateliê vazio faz parte da experiência de todos os artistas. Simboliza a possibilidade de tudo, o começo, a criação potencial.