Exposição individual e itinerante do artista francês Georges-Henri Rouault (1871-1958), organizada pela Fundación Juan March, em Madrid, com a colaboração do Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão (CAMJAP).

Apresentada, numa primeira instância, na Fundación Juan March, a mostra, de caráter retrospetivo, reuniu um conjunto de 53 pinturas e 12 gravuras pertencentes à série Miserere (datadas entre 1892 e 1953), que ilustrou com grande precisão o corpo de trabalho de Rouault, através de «uma representação dos seus variados temas, de inspiração profundamente espiritualista» (Georges Rouault. Pintura e Gravura, 1996).

Georges Rouault é conhecido como um dos artistas mais importantes da primeira metade do século XX. Tendo iniciado a sua vida a trabalhar numa oficina de restauro de vitrais, viria a ser, posteriormente, o discípulo predileto de Gustave Moreau, na Escola de Belas-Artes em Paris, na qual fez amizade com outras importantes entidades do mundo da arte, como Henri Matisse.

Comissariada por Stephan Koja, conservador do Museu Belvedere de Viena, e contando com o fundamental apoio de Isabelle Rouault, filha do artista, a exposição apresentou uma seleção de obras que na sua totalidade pertenciam a instituições e coleções privadas, como foi o caso do Centre Georges Pompidou, ou mesmo das coleções pertencentes aos Museus do Vaticano.

A retrospetiva de Rouault iniciou-se com duas obras que destacaram, desde logo, «a solidez de uma formação académica» (Pomar, Expresso, 3 fev. 1996, p. 86), seguindo as influências de grandes artistas, como Rembrandt, no caso do Auto-retrato de 1895, mas também de outros artistas, como Edgar Degas ou Toulouse-Lautrec.

A sua obra integra-se, simultaneamente, no fauvismo (pela explosão de cor que exibe) e no expressionismo, pela deformação e pelo gosto pelo feio. Afastado espiritualmente das técnicas vanguardistas, Rouault sentia-se à parte do resto dos seus contemporâneos, chegando a expor no Salão de Outono como os fauvistas, mas numa sala independente.

No artigo que redigiu para o jornal Expresso, Alexandre Pomar afirma: «Esse isolamento do itinerário criativo face aos optimismos vanguardistas, o sentido expressionista que a tradição francesa procurou extirpar como uma marca nórdica, alheia à elegância da racionalidade parisiense, e ainda a religiosidade intrínseca que impregna toda a obra de Rouault parecem não lhe ter assegurado uma tranquila visibilidade futura.» (Ibid.)

O catálogo – editado pela Fundación Juan March – foi publicado em castelhano e traduzido para português aquando da exposição na Fundação Calouste Gulbenkian. A publicação divide-se entre o núcleo das obras (pinturas), com comentários de Jacques Maritain e Marcel Arland, e o núcleo das gravuras. Além destes, conta com um ensaio da autoria do comissário da mostra, Stephan Koja, que aborda globalmente o corpo de trabalho do artista, com a preocupação de elucidar o leitor sobre as particularidades dos temas tratados, como é o caso da representação das «prostitutas» ou «o mundo do circo» – este último considerado pelo artista como «um dos paradigmas mais enfáticos da existência humana» (Georges Rouault. Pintura e Gravura, 1996).

Nascendo nos últimos anos do século XIX, que Stephan Koja descreve como uma «época de bruscas e radicais mudanças técnicas, científicas e sociais (associadas a violentos contrastes sociais)», Rouault visava alcançar na sua pintura «a apreensão do homem e do seu ser, a demarcação do seu mistério, mas sobretudo uma visão intuitiva do espiritual» (Ibid.).

Joana Atalaia, 2019