En regard de la quarantaine de sculptures exposées au Crac, dont certaines font référence à Sadie Speight, Leonor Antunes présente une sculpture au sol en liège incrusté de motifs en laiton et linoleum. Le motif agrandi reprend celui d’un dessin original pour un tapis à nœud conçu par Marian Pepler, designeuse britannique et proche de Sadie Speight : par ce geste de citation et de déplacement, Leonor Antunes redonne également une place centrale à cette artiste.

Dans ce projet, présenté à Lisbonne puis à Sète, Leonor Antunes met une fois de plus en œuvre une méthode d’enchevêtrement des références, des citations, des motifs, des techniques et des savoir-faire. En revisitant l’histoire de l’art, de l’architecture et du design au XX^ème et XXI^ème siècle, Leonor Antunes propose une approche décentrée des récits établis de la modernité, majoritairement masculins, héroïques, linéaires et peu inclusifs. Avec tact, l’artiste utilise la puissance symbolique des institutions qui l’invitent pour remettre en circulation avec et autour d’elle d’autres artistes femmes telles que Ana Hatherly, Franca Helg, Charlotte Perriand, Lina Bo Bardi, Marian Pepler, Sadie Speight ou encore Sophie Taeuber. Nombre de sculptures présentées dans l’exposition citent directement ces artistes, dont on retrouve les prénoms ou les initiales dans les titres.
La présence récurrente de nœuds, de mailles, de filets ou de résilles renvoie au soin qu’apporte Leonor Antunes à relier entre elles des figures artistiques, à nouer de nouvelles généalogies par affinité. Ces formes puisent également dans son intérêt pour le design textile, le tissage et tout un ensemble de techniques dévaluées, souvent liées à l’artisanat et aux arts dits mineurs, comme en témoignent un ensemble d’œuvres réalisées en osier, en cuir ou encore en perles de verre. De même, les matériaux utilisés pour réaliser la sculpture au sol (liège, linoleum, laiton) sont relativement déconsidérés et souvent associés aux espaces domestiques (et par extension aux espaces féminins). Mais Leonor Antunes leur donne ici une place à la fois monumentale et centrale car ce sol structure l’ensemble des espaces et les relie entre eux.

Pour l’exposition à Lisbonne, Leonor Antunes a produit une nouvelle série de panneaux en bois ajourés, à la fois sculptures et dispositifs scénographiques. Ces panneaux intitulés Voilettes sont directement transposés de ceux que l’architecte et designeuse Charlotte Perriand avait conçus entre 1966 et 1969 pour la résidence de l’ambassadeur japonais à Paris.
Leonor Antunes s’en sert pour présenter le travail d’autres artistes dans l’exposition dont elle a été commissaire au CAM, mais aussi comme système d’accrochage pour ses propres œuvres, renforçant cette porosité entre sculpture et design qui est au cœur de sa pratique. Ces panneaux de bois ont la particularité d’être transparents et occultants tout à la fois. Ils permettent un jeu complexe de regards et structurent l’espace sans le contraindre.

La transparence et la fluidité sont au cœur du système scénographique mis en œuvre par Leonor Antunes au fil du temps. Ses œuvres laissent passer le regard et dialoguent les unes avec les autres dans un réseau infini de relations et d’affinités qui peuvent se reconfigurer sans cesse. L’artiste s’appuie en cela sur l’héritage de deux figures majeures du design et de l’architecture, l’italien Franco Albini (1905 – 1977) et l’italo-brésilienne Lina Bo Bardi (1914 – 1992). Cette dernière a conçu un des plus importants musées du Brésil, le MASP (Musée d’Art de Sao Paulo) dans lequel elle a imaginé des principes scénographiques révolutionnaires, permettant d’embrasser du regard une multitude d’œuvres. C’est en décloisonnant le regard et les espaces qu’il est possible de tisser de nouveaux liens et de construire de nouveaux récits. À Lisbonne comme à Sète, il n’y a pas de parcours imposé, chacun·e est libre de dériver là où son regard le porte dans un rapport au lieu intuitif, mouvant et égalitaire.