Primeira exposição retrospetiva da obra de José Escada (1934-1980). Comissariada por Rita Fabiana, esta mostra ocupou a galeria superior do Museu Calouste Gulbenkian - Coleção Moderna, dividindo-se em cinco núcleos temáticos – «Joie de vivre», «Iluminações», «Metamorfoses», «As nossas amarras», e «Da minha janela» –, que se distribuíram no espaço seguindo uma ordem cronológica.

«Joie de vivre» centrava-se nos primeiros anos da atividade artística de José Escada (1951-1961), período menos conhecido, marcado pela diversidade de linguagens e por uma forte atitude experimental. Aí, foram reunidos desenhos diversos, que mostram o caminho percorrido desde os exercícios de movimento e composição figurativos até às pesquisas gráficas, com tinta-da-china, ponta de feltro e aguarela, tendentes para a abstração e nas quais o artista trabalha essencialmente a construção através da linha.

O título atribuído ao núcleo foi retirado de uma obra de 1960. Trata-se de uma pintura a óleo, inédita, resultante de encomenda da Turmac Tobacco para a sua fábrica em Zevenaar (Holanda), com o objetivo de criar um ambiente de trabalho aprazível. Esta destaca-se pela sua paleta cromática vibrante e luminosa e por se situar entre a figuração e a abstração. Enquanto as restantes pinturas apresentadas neste núcleo são maioritariamente compostas por formas biomórficas em tonalidades fortes ou pálidas, na obra que dá lhe título as formas são claramente identificáveis com flores.

Seguia-se uma seleção de trabalhos produzidos entre 1963 e 1965, que compunha o núcleo «Iluminações» – designação usada por Fernando Pernes ao analisar a fase iniciada em 1963, em Paris –, em torno do qual foram reunidos trabalhos em diferentes media, que parecem apresentar várias fases do processo de metamorfose de um ser vivo, ou de parte dele. Esta sensação de movimento e permanente transformação é alcançada por intermédio de um meticuloso trabalho de iluminação ou escurecimento de determinadas áreas de uma dada forma e da repetição dessa ação. Alguns elementos parecem aproximar-se, enquanto outros se afastam; uns ganham forma, já outros dissipam-se no ambiente, sem princípio nem fim. A iluminação, enquanto processo revelador e desencadeador de vida, é mais evidente nos trabalhos de 1965, também aí apresentados, nos quais um foco de luz dirigida parece mostrar uma atividade desconhecida.

No núcleo subsequente, intitulado «Metamorfoses», o espectador via estas experiências ganharem tridimensionalidade ao transformarem-se em relevos em papel, folha-de-flandres, folha de liga de cobre ou de alumínio e ainda em plástico, monocromáticos ou coloridos. A estes, juntavam-se desenhos, colagens e pinturas a óleo ou acrílico. Os desenhos selecionados revelavam o processo de trabalho de Escada, o modo como representações da figura humana, em diferentes posições, eram dobradas e desdobradas, multiplicadas, duplicadas em espelho, desconstruídas. As possibilidades eram infinitas. Depois do desenho, que servia de base, o corte assumia um papel preponderante. Nas colagens apresentadas, assiste-se ao que parece ser a planificação dos relevos, através da sobreposição das diferentes formas. Numa série de desenhos a tinta-da-china sobre papel vegetal, estas formas assumem o lugar de signos de uma escrita imaginária ou transformam-se em elementos constituintes de uma composição. Por fim, estas formas antropomórficas foram trabalhadas pictoricamente de forma distinta ao longo da década de 1970, em obras como O Musgo (1971), A Concha Perdida (1978), A Curva de Möbius (1979).

A segmentação dessas formas conduzira o artista a outras pesquisas, reunidas no núcleo intitulado «As nossas amarras», designação uma vez mais inspirada no título de uma das obras em exposição: L'Homme Enchaîné ou As Nossas Amarras (1972). A maioria destes trabalhos foram realizados ao longo da década de 1970 e, uma vez mais, seguindo a fórmula usada noutros núcleos, também neste foram incluídos esboços, rascunhos, experiências que ajudavam a compreender as relações entre os diferentes trabalhos, ou seja, as ligações entre intricados e estranhos nós ou emaranhados de cordas e fios e a figura humana como ponto de partida para o nascimento de formas que parecem provenientes do teste de Rorschach.

A exposição terminava com o núcleo «Da minha janela», que reunia um conjunto de desenhos e pinturas realizados entre 1972 e 1980, ano da morte de Escada. Estes refletem o olhar do artista sobre o mundo, a partir do seu universo pessoal. Neste período em que a abstração convive com a figuração, José Escada autorretrata-se de diferentes formas, quer através da representação do seu rosto – Auto-retrato (1972) –, quer do seu atelier – O Atelier (1979) –, do interior da sua casa – Gitano e a Bola Mágica (1979) –, mas também do seu núcleo de amigos e companheiros – O Strof a Dormir (1977), O Carlos a Dormir (1977), Retrato de Mário Cesariny (1972). Em muitas das pinturas apresentadas neste núcleo, as sombras assumem preponderância. São espaços habitados por sombras, vestígios de existência. Por outro lado, encontramos em alguns desses trabalhos citações, mais ou menos explícitas, a obras de referência, nos campos da pintura e da literatura, como a representação de L’Incertitude du poète, de Giorgio de Chirico, em Natureza Morta (1979), ou de On the Beach (La Baignade) (1937), de Pablo Picasso, em S/Título (1980), ou uma paisagem pintada à maneira de Henri Rousseau, onde Escada se representa com os seus cães. Mas também alusões e apropriações da arte de outros períodos, como as pinturas dos vasos gregos que As Máscaras (1975) nos relembram, o peitoral Libélula de René Lalique reproduzido num copo de pincéis em O Atelier (1979), ou as pinturas Jesus entre os Ladrões (1580-1588) de Paolo Veronese e Martírio de São Bartolomeu (1630-1650) de Jusepe de Ribera, que o artista revisita e abstratiza em S/Título [Martírio de S. Bartolomeu segundo Ribera] (1974) e A Crucificação segundo Veronese (1974).

Para o título desta exposição, a curadora serviu-se de uma frase de Fernando Pessoa – «Eu não evoluo, viajo» –, citada por Sophia de Mello Breyner Andresen a propósito dos últimos anos de trabalho de Escada, mas que resume toda a sua produção, enquanto somatório de experiências, transições territoriais, revisitações, nas quais sobressai um permanente enlace entre figuração e abstração. A concretização desta ampla e abrangente mostra, há muito esperada, envolveu por um lado, um extenso trabalho de localização das obras, uma vez que a sua maioria pertence a coleções particulares, e, por outro, um cuidado processo de seleção. Nas palavras de Rita Fabiana: «90% do seu trabalho está em coleções particulares. Um colecionismo muito interessado, mas com a obra muito dispersa. A Fundação Gulbenkian tem o maior núcleo, com 20 obras. Serralves e a Culturgest têm duas ou três cada... Isto, na hora de fazer uma exposição, pesa. Mas os colecionadores que encontrámos lembravam-se de outras pessoas que também poderiam ter obras do Escada […]. Mesmo em cima da abertura da exposição recebi contactos de pessoas que também tinham peças. Houve uma altura em que tive de pôr um limite e deixar de considerar outras obras.» (Halpern, JL. Jornal de Letras, Artes e Ideias, 31 ago. 2016, p. 20)

Para acompanhar esta exposição foram produzidas duas publicações, uma em língua portuguesa e outra inglesa, onde são reproduzidas todas as obras expostas. Nestas destacam-se, além dos textos da curadora e de Giulia Lamoni, uma antologia da produção crítica de José Escada e uma seleção de artigos sobre algumas das suas exposições, da autoria de José-Augusto França, Rui Mário Gonçalves, Fernando Pernes, entre outros.

Esta exposição mereceu uma considerável atenção por parte da imprensa. Desde logo, por colmatar uma grave lacuna, a não concretização até à data de uma exposição retrospetiva da obra de José Escada. Por outro lado, também a abordagem apresentada e respetivas opções curatoriais foram vistas com agrado e elogiadas. Guilherme de Oliveira Martins, num artigo intitulado «Fantástico José Escada...», afirma: «Se tivesse seis estrelas para atribuir a uma exposição, enquanto iniciativa cultural da maior relevância, dá-las-ia à mostra que se encontra na Fundação Calouste Gulbenkian dedicada a José Escada. Afinal, a apresentação excede todas as expectativas. […] tive a grata surpresa de encontrar muitas obras que não esperava ou que não conhecia... O caminho é intenso e seguro. E os cinco núcleos completam-se naturalmente» (Martins, Ibid., p. 23)

José Luís Porfírio, por sua vez, expressa o seu agrado do seguinte modo: «Obra que exige, para um futuro que se deseja próximo, um trabalho de apresentação e de leitura mais vasto, se possível com um comissário jovem que respeite a memória, mas que trabalhe uma história que está por fazer (José Escada, “Repetir Transformando”, Expresso, 6/8/2011). Este desejo encontrou agora uma cabal resposta na exposição do Museu Gulbenkian e na comissária Rita Fabiana.» (Porfírio, Expresso. Revista E, 30 jul. 2016, p. 47)

O último núcleo da exposição foi bastante valorizado. Sobre este, Luísa Soares de Oliveira afirma: «A exposição deixa perpassar este agudizar de um drama quase operático que marcou a vida de Escada» (Oliveira, Público, 15 jul. 2016, p. 14)

Oliveira Martins também o menciona, com as seguintes palavras: «E nessa reta final da exposição, marcada por uma janela, sentimos o progressivo fechamento e uma tensão, enquanto paradoxo de abertura e de emancipação.» (Martins, JL. Jornal de Letras, Artes e Ideias, 31 ago. 2016, p. 23)

Por último, Porfírio destaca igualmente o catálogo como «excelente prolongamento da exposição» (Porfírio, Expresso, 30 jun. 2016, p. 84).

Mariana Roquette Teixeira, 2019