Estampes de la Fondation Calouste Gulbenkian

Exposição de gravuras da Coleção do Centro de Arte Moderna (CAM), apresentada em Le Quai de la Batterie, em Arras, França.

Le Quai de la Batterie é uma associação que desenvolve um importante trabalho de apoio e divulgação da arte contemporânea em Arras, com especial incidência na gravura. As suas instalações, no Hôtel de Guînes, incluem ateliês e salas de exposição, onde têm sido apresentados trabalhos de artistas nacionais e internacionais, alguns deles em residência.

Esta mostra, comissariada conjuntamente por Ana Vasconcelos, conservadora da coleção de gravura do CAM, e Luc Brévart, diretor da referida associação, foi programada na sequência da «Saison Portugaise», que aí tivera lugar em 2010/11, e dos contactos então estabelecidos. Após Luc Brévart manifestar o seu interesse em receber em Le Quai de la Batterie uma exposição de gravuras da coleção do CAM, iniciou-se um processo colaborativo que culminou numa exposição dividida em dois eixos: «Regards sur une Collection» e «Corps Imprimés et Petites Histoires». Esta opção, como explica Ana Vasconcelos no seu texto para o catálogo, resultou da necessidade de alcançar diferentes públicos. Assim, em cada uma das partes da exposição foram adotadas formas de expor distintas, de modo a responder a diferentes necessidades dos públicos-alvo.

A primeira parte da exposição, destinada a um público mais maduro e conhecedor, encontrava-se distribuída ao longo dos três salões – Salon Blanc, Salon de Chasse e Salon Or – do hôtel particulier do século XVIII onde Le Quai de la Batterie está sediado. Como explica Ana Vasconcelos, esta mostra tinha como objetivo, ser «très représentative de la diversité de la collection du CAM» (Estampes de La Fondation Calouste Gulbenkian, 2012, p. 5), seguindo assim a linha das mostras «1/150. Gravar e Multiplicar. Gravuras da Colecção do Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian» (2009) e «Blink. Gravuras da Colecção do CAM» (2009).

A seleção apresentada revelava uma grande diversidade de técnicas, linguagens e temáticas, além de cobrir um vasto arco temporal, sendo a obra mais antiga de 1916 (uma litografia de Otto Mueller), e a mais recente de 1980( uma água-forte de François-Xavier Lalanne). Vários artistas se encontravam representados com mais de um trabalho, sendo de referir que o número de artistas portugueses correspondia a menos de metade da totalidade dos artistas selecionados. Entre estes encontravam-se trabalhos de José de Almada Negreiros (1893-1970), Maria Helena Vieira da Silva (1908-1992), Paula Rego (1935), Lourdes Castro (1930), Fernando Calhau (1948-2002) e Julião Sarmento (1948-2021).

Ao invés de seguir uma linha cronológica, ou de agrupar os artistas por nacionalidade, a mostra punha em diálogo obras de artistas de gerações e contextos distintos, em núcleos abertos e comunicantes. Não obstante cada sala constituir um núcleo, eram identificáveis afinidades temáticas ou de linguagem.

No Salon Blanc foram reunidos trabalhos de artistas como Fernando Calhau, Richard Hamilton e Julião Sarmento, que exploram sobreposições, desdobramentos, reflexos, mas também representações figurativas de mulheres, como Sans Titre (s.d.), de Man Ray, Le Repos du modèle (1924), de Matisse, ou Mère de l'Artiste à la Fenêtre (1964), de Giacometti.

No Salon de Chasse encontravam-se diferentes representações do corpo humano, algumas de desenho simplificado e linear, nas quais predomina a bidimensionalidade (Almada Negreiros, Otto Mueller), e outras detalhadas, com tratamento volumétrico das formas (Henry Moore). A estas gravuras juntavam-se outras, de natureza abstrata (Maria Helena Vieira da Silva), ou que retratam cenas reais ou imaginárias, revelando diferentes linguagens (Jacek Gaj, Bartolomeu Cid dos Santos, Paula Rego). A diversidade de propostas reunidas era, deste modo, caracterizadora da multiplicidade e abrangência da coleção.

Por último, no Salon d'Or era proposto um breve percurso, da geometrização das formas à abstração geométrica, no campo da gravura, ao qual se associaram exemplos de expressionismo abstrato, com trabalhos de Sonia Delaunay (1885-1979), Max Ernst (1891-1976), Joan Miró (1893-1983), Jacques Villon (1875-1963), Hans Hartung (1904-1989), Alfred Manessier (1911-1993), entre outros.

A segunda parte da exposição – «Corps Imprimés et Petites Histoires» – pretendia seguir, como explica Ana Vasconcelos, «les fils narratifs de la représentation du corps et de la création de petites histoires basées sur les images» (Estampes de la Fondation Calouste Gulbenkian, 2012, p. 5). Com vista a alcançar um público jovem, os curadores procuraram apresentar «les œuvres de manière plus conviviale, considérant la présence physique du public visé, avec un aspect interactif souvent mentionné en muséologie mais peu mis en pratique» (Estampes de la Fondation Calouste Gulbenkian, 2012, p. 5). Seguindo esse propósito, foi também selecionado um conjunto de obras que se caracteriza por um forte sentido lúdico, dinâmico e colorido, do qual se destacam gravuras de Roberto Matta (1911-2002), Karel Appel (1921-2006), Pierre Alechinsky (1927), Niki de Saint Phalle (1930-2002), Pablo Picasso (1881-1973), Asger Jorn (1914-1973), mas também de artistas portugueses como Maria Beatriz (1940-2020) e José de Guimarães (1939).

A exposição foi acompanhada por uma pequena publicação que, além de reunir breves textos de Isabel Carlos, Ana Vasconcelos e Luc Brévart, reproduz uma seleção das obras expostas. O texto de Ana Vasconcelos contextualiza as obras em exposição através de uma breve apresentação da coleção de gravura do CAM, que dá também a conhecer o importante papel da Fundação Calouste Gulbenkian no apoio à produção e à divulgação da gravura em Portugal.

Mariana Roquette Teixeira, 2019